Keila Alaver et la création d’une zone autonome temporaire pour l’art

ZAT résidence d'artiste sao paulo street art paris

« Zona Autônoma Temporária » à été le nom d’une résidence artistique organisée par l’artiste Tinho en janvier 2016 à Sao Paulo. L’idée était de développer une zone autonome temporaire où l’art était considéré comme un espace de liberté, un lieu où tout pouvait arriver, pour cela, l’espace était libre de règles et l’anarchie était établie.

25 artistes ont participé dans ce projet où ils devaient vivre et respirer pendant 10 jours l’art dans un ancien couvent. Les artistes ont habité l’endroit, ils ont vécu une immersion dans les processus artistiques des autres artistes. La réflexion sur l’art et sa place dans le monde contemporain était l’objectif commun.

Qu’est-ce qui a inspiré l’idée de cette résidence artistique ?

Dans mon atelier, j’organise deux groupes d’étude sur l’art contemporain.  L’année dernière, j’ai participé à une résidence artistique à Xucun, en Chine. Xucun est une très petite ville, loin des autres villes développées de Chine.

Ces deux situations m’ont inspiré l’idée d’organiser une résidence artistique au Brésil où les personnes qui se réunissent dans mes groupes pourraient participer. Au Brésil et dans le monde entier, il existe de nombreux programmes de résidence d’artistes, mais il est très difficile d’y participer. Il est tout aussi difficile d’obtenir un espace d’exposition pour son travail.

Comme je viens du milieu du skateboard et du punk, la devise “Do It Yourself” (faites-le vous-même) a toujours été la mienne. La création de cette résidence d’artiste était donc un défi naturel pour moi.

Quelle a été l’importance des différents forums prévus au début des dix jours de présence des artistes dans l’espace ?

Elles étaient très importantes, car dans le cadre d’un programme de résidence artistique, la discussion et la réflexion sont aussi importantes que la production de l’œuvre et font également partie de l’œuvre.

En tant qu’artistes, nous devons exercer non seulement nos compétences techniques et manuelles, mais aussi nos capacités de réflexion, de logique et de formulation d’idées.

C’est pourquoi il est très important de permettre des débats avec des universitaires, des journalistes, des critiques et des représentants du marché, non seulement pour les artistes, mais aussi pour les non-artistes qui considèrent l’art comme un objet de travail.

Quelles étaient, le cas échéant, les conditions fixées par le comité d’organisation de la ZAT et par le propriétaire du bâtiment pour l’utilisation de l’espace en vue de réaliser des œuvres d’art ? Dans quelle mesure les artistes étaient-ils libres de créer des œuvres et d’utiliser l’espace, c’est-à-dire d’ajouter des œuvres, mais aussi d’ajuster la forme physique de l’espace en cassant des murs, etc.?

La limite entre ce qui pouvait être fait et ce qui ne pouvait pas l’être était le respect entre les artistes.  La base de la résidence était l’anarchie. Cependant, les œuvres ont besoin d’espace et l’espace a des limites. Si un artiste occupe une pièce, il ne peut y avoir d’interférence d’autres artistes dans cette pièce, à moins que l’artiste qui occupe la pièce ne l’autorise.  En dehors de cette limite, tout était possible.

residência artística Antonio Dorta ZAT Zona Autônoma Temporária - Sao Paulo - street art parisOeuvre par Antonio Dorta.

Pouvez-vous nous expliquer comment l’histoire et l’architecture de l’espace ont influencé les œuvres d’art qui ont été produites ?

Il s’agissait d’un couvent de religieuses qui avait été désactivé et utilisé comme champ de bataille aérien. Ce champ de bataille a fonctionné à plein régime pendant notre occupation.  Il y avait donc une logique opérationnelle selon laquelle nous gérions l’endroit à tour de rôle.

Ainsi, nous avons travaillé pendant tous les jours et toutes les heures où le champ de bataille ne fonctionnait pas.  Pendant les jeux, nous nous retirions dans notre lieu de résidence et nous attendions la fin des jeux.

En attendant la fin des jeux, nous organisions des réunions et des conférences avec nos invités, de sorte qu’il n’y avait pas d’oisiveté pendant toute la durée de la résidence.

Bien sûr, tout cela affecte la création artistique de chaque artiste. Le fait que la plupart des artistes participants vivaient également sur place pendant toute la durée du processus aide à comprendre comment tout cet environnement a pu influencer leurs créations.

Un certain nombre d’artistes impliqués sont issus du graffiti et de l’art urbain. Comment avez-vous trouvé l’approche de ce groupe d’artistes par rapport à ce style et à cette méthode de travail ?

Le groupe d’artistes participants était composé de groupes d’artistes issus de trois milieux différents : Graffiti/art urbain, skate/underground et artistes contemporains ayant une formation universitaire. Le fait d’avoir un nombre équilibré de participants de chacun de ces groupes était très important pour l’échange de pensées et de méthodes de création artistique dans le cadre du programme de résidence.

L’implication, la curiosité et la coexistence se sont déroulées de manière très naturelle.  Un peu timide au début et beaucoup plus intime à la fin. Des amitiés se sont nouées et de nombreux échanges ont eu lieu.

Je pense que le fait que tout le monde vivait ensemble dans le même espace. Il s’agissait d’une coexistence intégrale, sans alternatives (l’endroit était isolé et il n’y avait pas d’autres endroits où aller) et avec un emploi du temps chargé, sans beaucoup de place pour se disperser, ce qui a beaucoup aidé à cette relation.

Avez-vous remarqué une certaine cohésion entre les œuvres réalisées et, dans l’affirmative, comment ces liens se sont-ils créés, par exemple par le biais de discussions, par la simple présence d’autres artistes ou par les limites de l’espace physique lui-même ?

Je pense que le grand lien entre toutes les œuvres était le lieu. L’architecture, l’environnement et les relations interpersonnelles intégrales qui s’y déroulaient.

Beaucoup de gens ont considéré l’ensemble comme une seule et même œuvre. Comme si chaque œuvre individuelle faisait partie d’une grande œuvre collective.

Mais de nombreuses œuvres dialoguaient entre elles ou se complétaient.

Certains artistes ont choisi de développer des œuvres basées sur la performance. Comment ces interventions ont-elles communiqué avec l’espace et avec le travail des autres artistes ?

Chaque performance dialogue non seulement avec l’espace où elle se déroule, mais aussi avec les personnes qui se trouvent dans ce même espace. Certaines performances se sont déroulées dans un espace délimité, d’autres se sont étendues à l’ensemble de l’espace, allant même jusqu’à pénétrer dans les salles d’autres artistes.

Je pense que les performances ont essayé d’attirer l’attention sur le lieu, sur ce qui s’y passait et sur la manière dont ce lieu influençait la pensée et la création de chaque artiste présent.

Pouvez-vous nous parler un peu de l’aspect communautaire de la résidence, de la façon dont les gens ont travaillé et vécu ensemble dans les mêmes bâtiments pendant dix jours, et de l’impact que cela a eu sur le travail produit et sur l’expérience globale.

Comme je l’ai déjà dit, l’idée générale était l’anarchie.  Il n’y avait pas de règles, pas de hiérarchie, pas de délégation de tâches. Tout ce qu’il y avait, c’était un petit espace architectural sans structure, une seule salle de bain avec deux toilettes et une seule douche, un cuiseur à riz électrique et un réchaud à deux brûleurs avec une petite bouteille de gaz, et les personnes qui étaient là pour vivre ensemble, toutes ensemble pendant 11 jours.

Bien sûr, les premiers jours ont été des jours d’adaptation, pour comprendre comment chacun fonctionne et comment chacun peut s’adapter à cette coexistence.

Au fil des jours, l’harmonie du groupe et la volonté de tous de vivre dans une atmosphère de bonne énergie, ont beaucoup contribué à ce que les échanges aient lieu et que chacun puisse apprendre et enseigner à l’autre comment l’art et la vie sont liés et comment chacun s’équilibre entre ces deux paradigmes.

Encore une fois, ce qui a dicté la règle, c’est le respect et le bon sens qui existaient chez les gens et dans les situations où ils se trouvaient.

Quels problèmes avez-vous rencontrés dans l’organisation et la mise en œuvre de la résidence ?

Les problèmes étaient nombreux, mais chacun d’entre eux a été résolu de manière satisfaisante avec l’aide de plusieurs personnes désireuses de contribuer à la réalisation du projet.

Les premiers problèmes étaient d’ordre structurel. Il n’y avait pas d’électricité, les lieux étaient très sales, nous ne pouvions pas avoir de réfrigérateur pour stocker de la nourriture, l’endroit où nous allions loger n’avait aucune protection à l’exception du plafond et des murs.

Ensuite, nous avons eu des problèmes avec l’occupation de l’espace de travail, les vanités des artistes, l’organisation de l’espace de vie, l’organisation de la nourriture, les déchets, le nettoyage, l’invasion de l’espace de travail d’un artiste par d’autres, etc.

Il y avait beaucoup de problèmes. Beaucoup plus que ce que j’avais calculé.  Mais il y avait aussi beaucoup de bonne volonté de la part de tout le groupe pour aider à résoudre chacun des problèmes qui se présentaient.

Bien sûr, de nombreuses solutions ont fini par générer de nouveaux problèmes, mais en général, tout s’est bien passé, la plupart des problèmes ont été rapidement résolus et la plupart des gens n’ont même pas remarqué la plupart des problèmes qui se sont présentés.

D’autres projets de résidence impliquant des artistes de l’art urbain sont-ils prévus à l’avenir ?

Il y a beaucoup de volonté.  Nous avons besoin de ressources, de personnes prêtes à travailler dans cette partie moins artistique et plus organisationnelle. Nous avons besoin d’espaces adéquats et vastes pour pouvoir commencer un travail.

S’il y a de l’aide, si les ressources viennent, nous voulons donner une continuité infinie et illimitée à ce projet.

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Artistes qui ont participé dans la résidence, comme suit : 

Tinho

Walter Nomura, originaire du Japon mais né à São Paulo. Même génération que Os Gemeos. Treize ans lorsqu’il peint son premier mur en ” pixaçao “. Diplômé des Beaux Arts en 1994, il est retourné au Japon pendant 3 ans. Dessins tristes, mélancoliques, des gens qui souffrent, des petits personnages de journaux. Il veut exprimer la solitude des gens dans les grandes villes, et tout ce qui s’ensuit comme la violence et la douleur. Il a participé à la Tour 13 à Paris, où il a peint avec Alexandra Loiola. Il vit actuellement au Brésil.

http://www.blog.stripart.com/art-urbain/tinho-le-street-art-do-brasil/

Leiga

Jack Neto, de Guarulhos. Débute en 1996 avec le “pixacao”, puis le graffiti en 1999. Formation de graphiste à l’École panaméricaine d’art et de design. Il travaille également dans le domaine des arts plastiques, de la mode et de l’illustration. Il veut faire plonger le spectateur dans une autre réalité, faire rêver les gens à travers les formes et les couleurs.

https://www.leiga.me/

Shima Shima

Marcio Hirokazu Shimabukuro, vit et travaille à Carrancas (Minas Gerais) mais vient de SP. Formation : Université des Beaux-Arts à SP et ensuite design industriel. Expositions dans le monde entier, Europe, Amérique du Sud, Japon. Spécialisé également dans les vidéos et les installations. Il considère son travail comme une déconstruction de la pratique traditionnelle, le résultat peut être des installations, des objets, des vidéos, des photographies et aussi des performances. Il veut présenter des choses communes d’une manière inhabituelle. Ses thèmes récurrents sont les facteurs d’identité et d’appartenance, l’imagerie de la vie quotidienne contemporaine, (comment) être dans le monde et l’état de crise permanent.

http://www.shima.art.br

Roberto Bieto

Univers onirique. Il travaille en mélangeant la musique et les arts plastiques. Formation en publicité à l’école Cásper Libero de Sao Paulo. Références cosmiques, transformations de la nature, sexe, famille et folklore, thèmes parfois polémiques. Exposé à la galerie 7AMA depuis 2012. Travaille avec de la musique. Originaire de Sao Paulo. Cherche à représenter un imaginaire collectif. La lumière, l’ombre, les objets en mouvement font partie du contenu de son travail.

https://www.flickr.com/people/bieto/

Alexandre Vianna

Skateur professionnel, photographe, journaliste, réalisateur, activiste de la culture urbaine. Il se considère comme un “streeter” (“streeteiro”) c’est-à-dire une personne qui utilise la rue, l’urbanisme des villes pour vivre et s’exprimer. Auteur d’un livre intitulé “Streeteiro” et d’une exposition de photographies sur le skate dans le cadre de la culture de la rue (2014).

http://www.zupi.com.br/streeteiro-o-registro-urbano-de-alexandre-vianna/

Marcio Ficko

“Marcio “Ficko” Correia, 28 ans, est né et vit dans la ville de Guarulhos – SP. Il a commencé sa production artistique en 2002 lorsqu’il est entré en contact avec la culture du Street Art, développant la peinture et les lettres stylisées sur les panneaux d’affichage et migrant ensuite vers d’autres supports tels que la toile, le bois, le papier et les objets. Son travail est un mélange de techniques basées sur des formes géométriques, des couleurs pures et des plateaux. Parallèlement au graffiti, il construit des lettres à partir de formes et de parties, à l’expressionnisme abstrait, à l’expressionnisme et à l’art géométrique. Il a participé à divers événements liés à l’art de la rue à São Paulo et à quelques expositions collectives dans des espaces alternatifs liés à cette sous-culture. Il développe actuellement un atelier d’art à la Foundation House où il donne des cours de peinture.”

https://www.behance.net/marcioficko

Coletivo SHN

Originaire d’Americana, SP State, SHN est un collectif d’artistes de rue qui utilisent leurs propres sérigraphies pour occuper l’espace public. Leur idéologie DIY (Do It Yourself) s’exprime à travers des ateliers d’art collectif et expérimental. Ils sont devenus célèbres grâce à leurs événements de rue qui impliquent des vidéos, des DJ et d’autres artistes pour créer une atmosphère évolutive. L’un de ses membres, Eduardo Saretta (interviewé ici).

http://bristolatino.co.uk/sao-paulo-street-art-in-conversation-with-eduardo-saretta/ )

http://misturaurbana.com/2014/05/coletivo-shn-e-daniel-melim-fazem-exposicao-em-londres/

http://shn2012.tumblr.com

Daniel Minchoni

Poète et artiste, il crée des événements poétiques en Espagne tels que “O menor Slam do Mundo”, “O sarau do burro”, “Rachão poético”, “Cabaré revoltaire” et “A peça Literatura Ostentação”. Outre les performances dans le domaine de la poésie, Minchoni présente également son travail d’artiste de rue au Brésil et à l’étranger, toujours à partir de ses relations avec la poésie.

danielminchoni.tumblr.com.

Lincoln Lavado Checo

Il travaille dans le design graphique depuis 1996, fournissant différents supports tels que du matériel publicitaire, des magazines, des invitations, la décoration de magasins. En 2005, il a commencé à s’intéresser au street art et au graffiti. Contenu de son travail : influences de la musique pop et punk ; messages sarcastiques, acides et objectifs.

http://lincolnjoker.wix.com/jokersfh#!streetart

https://vimeo.com/lincolnlcheco

Helio Marquess

Photographe et artiste de rue, originaire de Guarulhos. L’une de ses œuvres intitulée “Drip colors” mélange la photographie, le graffiti et la peinture corporelle. Célèbre pour ses peintures sur les filles et l’utilisation de couleurs fluo.

https://www.flickr.com/photos/helioms/

Luis Alexandre Lobot

De SP, artiste de la galerie A7MA. Son influence vient de toutes les informations que les gens reçoivent dans une ville comme SP. Selon lui, nous sommes entourés de bus, de métro, de publicité, de télévision, de gens qui parlent, de radio, du bruit de la foule. Il essaie de représenter le grand conflit de la vie dans les grands centres urbains, c’est-à-dire une ville en construction, des gens eux-mêmes en construction.

http://a7ma.art.br/artists/luis-alexandre-lobot/

Michele Micha

Originaire de SP, formation en publicité et marketing. Impliqué dans divers projets artistiques tels que Pimp My Carroça, Teto e Tinta, Projeto Ecotoy Art, Projeto Fachada- Parede viva. Il a fait une recherche sur les corrélations externes des personnes (conflits personnels, empirisme…), ce qui l’a beaucoup influencé dans son travail artistique. Il joue avec la volonté et le goût des gens en créant des sculptures en chocolat qui provoquent l’aversion.

http://www.zupi.com.br/os-chocolates-bizarros-de-micha/

Daniel Caballero

alias ” Freaking Lovely “, est un artiste numérique espagnol. “Daniel est passionné par les bandes dessinées et l’illustration depuis son enfance. Il se spécialise dans les vecteurs, essayant de trouver un point entre la beauté et l’obscurité dans ses illustrations.” http://theinspirationgrid.com/illustrations-by-daniel-caballero/

Saulo di Tarso

Artiste visuel et conservateur d’art indépendant. Membre du PSB au SP, il défend l’art et la culture de la ville.

http://sauloditarsopsb.blogspot.my

Jerry Batista

Jerry Batista painting - street art graffiti sao paulo brazil by street art paris IMG_2102Jerry dessine à main levée un personnage sur le mur, avec un pallier divisant le mur en deux teintes pour son installation à la résidence ZAT.

Jerry Batista classroom installation ZAT artist residency - street art graffiti sao paulo brazil by street art paris IMG_2446

Jerry Batista classroom installation ZAT artist residency - street art graffiti sao paulo brazil by street art paris IMG_2447

Jerry Batista painting - street art graffiti sao paulo brazil by street art paris cpt Juliana Maria Cerquiaro
Détail d’une peinture à l’huile faite sur un tableau d’école brésilien d’origine.

Jerry Batista classroom installation ZAT artist residency - street art graffiti sao paulo brazil by street art paris IMG_2458

Jerry Batista classroom installation ZAT artist residency - street art graffiti sao paulo brazil by street art paris IMG_2448

Jerry Batista classroom installation ZAT artist residency - street art graffiti sao paulo brazil by street art paris IMG_2513

Jerry Batista classroom installation ZAT artist residency - street art graffiti sao paulo brazil by street art paris IMG_3410

De Grajau (sud de SP), artiste de la galerie 7AMA et du Coletivo 132. Exposition “Lembranças e memorias” (Souvenirs et mémoires) inspirée de son enfance à Grajau. Exposé à travers le Brésil mais aussi en France et en Allemagne. Il a voulu transmettre ses racines brésiliennes à travers son travail et a toujours interrogé les questions sociales de son pays telles que l’inégalité.

http://a7ma.art.br/artists/jerry-batista/

Marcelo Ruggi

“Tche Ruggi”, l’un des fondateurs du studio 132 (2008) et de la galerie 7AMA (2012) à SP. Exposition “Enigma” (Enigma) où il donne une forme tangible à la lumière et à l’ombre avec des objets et des sculptures. Études à l’université des Beaux-Arts à SP. Il peint de nombreuses formes colorées en 3D, une inspiration qui lui vient de son enfance à Belo Horizonte où il était fasciné par les formes des cristaux et des pierres.

http://a7ma.art.br/blog/exposicao-enigma-de-tche-ruggi/

Enivo

” Marcus Vinícius aka ENIVO a signé un contrat avec l’essence vitale de l’art à l’âge de 12 ans, lors de sa première expérience avec le graffiti en 1998. Depuis lors, il a marqué les rues de la ville d’un sceau de poésie, matérialisant des idées et des sentiments par le biais d’images. ”

http://enivo.tumblr.com/post/56929167275/the-nyc-mind-the-beautiful-street-art-of

Bartolomeu Gelpi

De SP, formation en arts plastiques à l’université Armando Alvares Penteado, cours d’histoire de l’art. A travaillé au musée d’art moderne de SP en donnant des cours de peinture. A voyagé en Italie et en Allemagne. De retour au Brésil, il se consacre exclusivement à la peinture et est exposé dans de nombreux centres culturels brésiliens (Memorial da América Latina (São Paulo, SP, 2007), Galera Virgílio (São Paulo, SP, 2008), Pavilhão Ciccillo Matarazzo (São Paulo, SP, 2008) et Museu de Arte de Ribeirão Preto – MARP (Ribeirão Preto, SP, 2008).

http://www.centralgaleriadearte.com/a_artista/bio.php?artista=gelpi

Antonio Dorta

Originaire de Pirassununga (SP), a commencé par la restauration de peinture à l’université de SP. Formation en arts plastiques à l’université Armando Alvares Penteado de SP. Une de ses expositions, à la Galerie Centrale d’Art Moderne de SP, “Inutil Paisagem” (Paysages Inutiles) présente diverses sculptures de l’artiste montrant des paysages poétiques et intuitifs (2011).

http://www.centralgaleriadearte.com/Expos/2011_08/ExpoPR.pdf

Marcelo Xue

Originaire d’Ipiranga (SP), artiste plasticien, patineur et entrepreneur, possède sa propre marque de skate, Live Skateboards. Peint avec beaucoup de couleurs et des lignes profondes.

http://blog.linoleum.com.br/skate/live-skateboards/

Alexandre Orsetti 

Originaire de SP, il se consacre au dessin depuis son plus jeune âge. À treize ans, il est entré à l’école de dessin et de communication José Rocha Mendes. Il a participé à diverses expositions telles que le “XI Salão Paulista de Arte Contemporânea” (6ème exposition d’art moderne de Sao Paulo), à des collectifs comme MuBE, MAC, Casas de Cultura em SP (Maison de la culture), ainsi qu’à l’étranger (France).

http://www.casagaleria.com.br/#!alex-orsetti/ct28

Sinhá

Elle est originaire de SP et peint souvent une figure féminine pourpre, aux émotions mélangées, les yeux et la poitrine symbolisés, les cheveux longs. Un certain sentiment de tristesse est perceptible.

http://www.isupportstreetart.com/artist/sinha/

Vitor Zanini

“(1985, né à Londrina-PR) est un artiste multidisciplinaire basé à São Paulo. Sa production utilise le dessin comme moyen d’expression, avec des œuvres qui participent à l’espace urbain ou qui sont présentées sous forme de dessin et d’animation.

Actif depuis 2012, l’artiste a participé à des expositions de groupe, créé des œuvres “spécifiques au site” dans des environnements institutionnels et publics, au niveau national et international. Il a tenu sa première exposition personnelle “Matter and Thought” par la galerie Sub (2017). Ses animations “Impulse” de 2018 et “HY Brazil” de 2019 ont circulé dans divers espaces de la scène contemporaine”

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Felipe Borges

Felipe est un artiste qui travaille dans les domaines de l’illustration numérique, du graphisme, de l’art et de l’éducation. Il réalise des fresques murales dans la ville et des peintures sur toile, et son art se concentre sur les cultures.

Flickr.com/felip3visao

André Coletto Inea

Né à São Paulo, où il vit et travaille, il a le dessin comme principale forme d’expression depuis l’enfance et a élargi ses pratiques à travers les flux du Street Art. André expérimente la bio-construction au milieu de la forêt atlantique de SP, pour s’installer et vivre, en appliquant des techniques écologiques de construction et de gestion propre des ressources et de leurs déchets dans des cycles naturels.Ses recherches portent sur l’être humain dans son habitat et ses extensions possibles, insérées de manière cohérente dans l’environnement.Il a exposé son travail à la 3 Bienal de Graffiti Fine Art, SP, Salão Nacional de Artes de Itajaí, SC, MAAU, SP, Salão de Artes de Rio Claro, SP.

facebook.com/profile.php?id=100069787882517

Simone Martins 

Originaire de São Paulo, Brésil, artiste d’art corporel (théâtre, danse, performance), avec une vaste expérience à l’intérieur et à l’extérieur du Brésil, étudie et recherche le croisement des langues, les actions performatives, un devenir performance qui n’est pas nécessairement contenu dans le lieu autorisé pour ce type d’action. Simone a collaboré et/ou travaillé avec : Antunes Filho (BR), Gerald Thomas (BR), Théâtre do Soleil (FR), Hello ! Earth (DNK), Miyako Kato Space (JP), Yubiwa Hotel (JP), Vigor Mortis (BR), Richard Martel (CAN), résidence d’artiste avec Les Ballets C de La B (BEL) pendant la Biennale de Dança de Santos, Ballet Neoconcreto de Lygia Pape (coproduction PT et BR), Lote#1 Paz Rojo (ESP) et Cristian Duarte (BR), Play Bauhaus – Torsten Blume (DEU), “Object of Desire” de Nina Wijnmaalen (NDL), “The Dog Needs to Eat” d’Olivia Reschofsky (HUN), projet Multitude – “Atlas” de João Galante et Ana Borralho (PT).

https://samonamartins.wordpress.com/

Fabiano Nunes

Fabiano Nunes connu aujourd’hui comme Fabiano APCE projets l’art dans la nature dans une esquisse de ses souvenirs. Fabiano APCE est né dans l’extrême nord avec ses parents qui lui ont donné un amour pour les plantes.

https://www.instagram.com/fabiano_apce/?hl=en