Au cours des deux dernières décennies, une foire de galeries prééminente Conception Miami a mené la charge en tant que plate-forme vitale pour l’industrie du design de collection en constante évolution, issue du secteur du meuble vintage et destinée à compléter le marché des beaux-arts. Comme de nombreux partisans l’ont noté, à partir de la fin des années 1990, les collectionneurs ont commencé à comprendre l’importance non seulement d’exposer des peintures et des sculptures statiques dans leurs maisons, mais aussi de compléter ces espaces avec des meubles fonctionnels et semi-fonctionnels qui, dans de nombreux cas, ont le même niveau. de sens et d’expérimentation artisanale.
Au début, cette branche d’une industrie du design en constante expansion, tout comme le modèle de mécénat courant à Florence à l’époque de la Renaissance, a favorisé une idéation sauvage et révolutionnaire : des talents repoussant les limites du matériau et de l’application. Bien que le design des objets de collection se soit rapproché du domaine esthétiquement sûr, évasion et parfois insipide des arts décoratifs trop ornés ces dernières années, une poignée de galeries et d’acteurs culturels ont tenu bon à l’élan initial du marché.
Cherchant à recentrer l’attention sur cet état d’esprit et à redéfinir le terme design de collection ou ce qu’on appelait autrefois le design artistique en tant que « design d’avant-garde », un historien, écrivain, créateur de culture et partisan majeur de la renaissance de l’artisanat est réputé. Glenn Adamson. En tant que directeur de la conservation de cette année Conception Miami il a mis en œuvre le thème succinct mais inclusif du « Ciel bleu » – des idées optimistes qui ne sont pas limitées par les croyances ou les normes sociétales actuelles. À bien des égards, Adamson a été amené à façonner cette édition dans une perspective « regarder en arrière et regarder vers l’avenir ». La vitrine particulièrement intéressante de cette année a jeté un nouvel éclairage sur les talents opérant dans cet espace qui continuent de défier les frontières de la typologie, du concept et de l’expression de soi.
Parmi les 49 galeries d’exposition et les expositions de projets spéciaux Curio, Design Milk a identifié 10 points forts qui incarnent cette réflexion de diverses manières.
Lampadaire Vespa Vespa par Nader Gammas
Il fait ses débuts à Design Miami avec une exposition Curio dédiée, un éclairage et un architecte d’intérieur basé à Dubaï. Nader Gammas a dévoilé sa collection Vessels – une série de luminaires en céramique inspirés de la flore qui représentent un changement marqué par rapport à son penchant pour les formes brutalistes. Le lampadaire Vespa est une représentation directe du champignon métatrichia vesparium, particulièrement sinueux. Cette pièce unique démontre comment les formes naturelles – et pas seulement celles rendues esthétiquement par un motif plat – continuent d’informer la fonction des objets conçus.
Flap Chair de Chamar Studio, présentée par Æquo Gallery
Faire sensation à Design Miami pour la deuxième année consécutive a été Æqouprétendument la première galerie de design de collection en Inde. Un fort sentiment de réinterprétation de la riche tradition artisanale du pays et d’ouverture à la collaboration transfrontalière imprègne une fois de plus son exposition, faisant allusion à ce qui attend la scène créative émergente de l’Inde et son potentiel à l’échelle internationale. Un événement remarquable a été Studio Chamar série ingénieuse de Flap Chair. Fabriqués entièrement en caoutchouc, ces canapés aux teintes audacieuses reflètent le potentiel des propriétés de ce matériau pour atteindre la fonction prévue.
Selon la galerie : « Sudheer Rajbhar a fondé Chamar Studio en 2015 dans le but de recontextualiser un terme traditionnellement utilisé comme argot péjoratif pour la communauté des Dalits travaillant le cuir. Lorsqu’une interdiction de la viande bovine a menacé les moyens de subsistance des travailleurs du cuir, Sudheer a introduit le caoutchouc de manière innovante comme alternative durable. La marque se présente comme un acte de défi, conservant le savoir-faire d’une communauté marginalisée et utilisant ses créations comme militantisme pour mettre en lumière les injustices sociales en Inde. La série Flap Chair est la dernière itération d’une longue lignée de modèles démontrant cette exploration.
Table Double Knot de Nick Missel, présentée par Wexler Gallery
Designer basé à Philadelphie Nick Missel a façonné une grande partie de sa pratique autour de l’idée de trouver une nouvelle utilité aux matériaux conventionnels en tant que forme d’expression anthropologique : traduire l’expérience de la classe ouvrière américaine dans des applications particulièrement viscérales. Fabriquée à partir de fibre de verre, de résine et de peinture automobile, la table REM Collection Double Knot – présentée par Galerie Wexler – ressemble à de la mousse d’emballage qui a été figée comme un meuble solide et surélevé.
Yellow Cubist Vessel VI de Christopher Russell, présenté par Todd Merrill Studio
Depuis plus de 30 ans, les talents basés à New York Christophe Russell a été occupé à faire évoluer sa pratique de la céramique dirigée par un dessinateur à travers le prisme de diverses disciplines créatives. Ses derniers récipients à composition géométrique – définis par une application spontanée mais méthodique de patchworks peints de couleurs vives – jouent sur la tension entre esthétique et fonction. Les récipients en céramique sont indispensables depuis l’aube de la civilisation. L’éclectique vaisseau cubiste jaune – exposé dans le cadre de Todd Merrill Studios offre tout aussi maximaliste cette année – démontre parfaitement l’approche itérative et toujours formellement expérimentale de Russell.
Chaise Argentée par Lewis Kemmenoe pour Fendi
Parmi un certain nombre de marques de luxe qui inventent des projets créatifs et culturels ont fait leurs débuts chez Design Miami, une grande maison de couture italienne Fendi a dévoilé une collection capsule de meubles par un jeune britannique Lewis Kemménoe. Les œuvres correspondent à son approche profondément basée sur la recherche et à l’adhésion indéfectible du producteur du patrimoine à la tradition artisanale. Les chaises, armoires, tables basses et éléments muraux rétroéclairés qui en résultent se veulent à la fois fonctionnels et subversifs. Ce dernier est réalisé – comme en témoigne le Silver Chair – dans la juxtaposition presque discordante de bois et de pierre grossièrement taillés, ancrés et incrustés dans des métaux polis au cadre rigide.
Self Mining de Jan Waterston, présenté par Charles Burnand
Pourvoyeur imperturbable de mobilier et d’éléments décoratifs qui repoussent avec force les limites des matériaux et des applications typologiques, la galerie londonienne Charles Burnand a présenté la vitrine du groupe Haptic Horizons au Design Miami de cette année. Selon la galerie, l’exposition « explore l’avenir des matériaux, l’utilisation progressive de ces éléments et l’importance durable de la main de l’artiste dans la formation de notre monde tactile ». L’une des pièces les plus frappantes exposées était le talent britannique. Jan Waterston Chaise longue auto-mineuse ; un design particulièrement sculptural, presque semblable à une corde, rendu en bois de frêne sculpté et noirci. Avec cette pièce, le designer explore la notion d’excavation tout en mêlant techniques ancestrales et processus instinctifs.
Étagère autoportante Tundra de Rio Kobayashi, présentée par Blunk Space
Espace vide – la succession particulièrement active du vénéré maître du mouvement en studio californien JB Blunk – a monté une exposition Curio avec des œuvres commandées et achetées par des talents contemporains répondant à sa pratique fondamentale et innovante et ingénieuse, peut-être mieux illustrée dans sa maison auto-construite. Le designer basé à Londres a servi de point d’ancrage central et même d’élément de présentation pour les petites céramiques et ustensiles. Rio Kobayashi Étagère autoportante Tundra. La pièce a été fabriquée à partir de séquoia endémique et reflète directement l’architecture distinctive de la maison.
Lampe Robo de Formafantasma, présentée par Friedman Benda
Un mariage paradisiaque diraient certains connaisseurs, galerie new-yorkaise à la pointe de la réflexion Friedman Benda s’est associé à des cabinets de recherche de premier plan Formafantasma. Les deux entités partagent une compréhension du potentiel du design au-delà de la forme et de la fonction : un canal vers une signification historique, sociale et culturelle plus profonde – voire une provocation. Fabriquée en bois de cerisier et en LED, la lampe Robo semble simple mais, sans surprise, elle signale bien plus. « L’œuvre explore la relation entre le design, la sphère domestique et l’idée d’archétype… dans un esprit de rigueur et de retenue », explique Simone Farresin, cofondatrice de Formafantasma. La galerie devrait accueillir une exposition personnelle de nouvelles œuvres du studio milanais au printemps 2025.
Installation de voyage dans le temps par Nuova Group
Les installations de foire entièrement immersives sont rares à Design Miami, autres que celles montées par des marques partenaires. Il est encore plus inhabituel de voir ce type de vitrine globale lors d’événements industriels aux États-Unis. Cette année, le cabinet de design de luxe basé à Los Angeles a changé les choses. Groupe Nuovaqui a choisi de mettre en scène sa Curio comme un intérieur domestique reconstitué de 1971 – un moment, pour beaucoup, qui fut le dernier avec un véritable sentiment d’optimisme collectif pour l’avenir. Destinée à activer tous les sens, l’installation Time Travel a été conçue sans rien négliger. Tout, des tissus d’ameublement d’archives aux bougies en passant par le design de l’applique Andrea – imaginé, comme les autres meubles, avec une touche contemporaine – était en vente sur commande.
Une lampe protéa I de Jack Simonds, présentée par Objective Gallery
Basé à Shanghai et à New York Galerie d’objectifs a choisi d’encadrer la présentation de son stand avec le travail de neuf de ses talents actuels qui définissent l’air du temps. La plateforme a intitulé la vitrine d’après une citation de David Hockney : « Tout art (design) est contemporain s’il est vivant » – un sentiment faisant allusion à la nature de plus en plus stratifiée de l’industrie et à l’émergence de multiples tendances concurrentes. Parmi les illustres exposants figurait le designer britannique basé à Brooklyn. Jack Simondsqui s’inspire souvent de formes biomorphiques et d’événements naturels. Presque comme figée dans son état de quasi-décomposition, la lampe protéa A témoigne de cette approche. Le design unique combine des fleurs de protéa séchées naturelles avec des feuilles moulées brûlées de la même fleur, du bambou brûlé, du bronze coulé et du marbre sculpté à la main alors qu’il se solidifie comme une source de lumière d’un autre monde mais ancrée. « Ce que la nature apporte, c’est le feu et la brillance », décrit Simonds.
Pour en savoir plus sur cette vitrine annuelle et toutes ses activités, visitez designmiami.com.
Photographie d’installation par Adrian Madlener.
