« Le photoréalisme et l’œuvre d’art depuis 1968 »

Un trio de portraits capture les habitants de Los Angeles des années 1980 dans leur vie quotidienne. Dans l’une d’elles, une danseuse de taxi agile vêtue d’une robe bleue a l’air tout aussi sensuelle et fatiguée. Sur une autre image, une femme s’arrête un instant tout en gardant en équilibre un enfant couvert et un cornet de glace. Dans la troisième partie, un homme enroule maladroitement son bras autour d’une femme, dans une pose qui suggère qu’ils se sont précipités ensemble pour prendre le cliché. « Les gens ordinaires : le photoréalisme et l’œuvre d’art depuis 1968 », au Museum of Contemporary Art de Los Angeles (jusqu’au 4 mai), commence avec ces trois œuvres de 1983-84 du peintre John Valadez, basé à Los Angeles. Depuis le milieu des années 1970, Valadez utilise des photographies comme matériau source pour ses toiles. Et vous y voyez ce que voit la caméra : des instantanés de corps figés dans le temps dans des poses informelles qui défient la nature solennelle des portraits peints. Les conventions du photoréalisme ont longtemps guidé le travail de l’artiste, mais en s’ouvrant avec Valadez, « Ordinary People » signale immédiatement qu’il ne s’agit pas d’un spectacle de photoréalisme ordinaire.

Cet élan pop, né dans les années 1960, s’est basé pendant des décennies sur une définition du galeriste et auteur new-yorkais Louis K. Meisel dans les années 1980. Photoréalisme est devenu le livre déterminant du mouvement. Le photoréalisme, écrit-il, inclut non seulement les peintres dont les représentations sont aussi réalistes et détaillées que des photographies, mais aussi ceux qui utilisent la photographie comme outil et imitent l’esthétique de l’appareil photo dans leur travail. Le texte énumère 13 artistes importants, dont beaucoup sont aujourd’hui bien connus, comme Chuck Close, Robert Bechtle et Richard Estes. Tous les 13 étaient blancs, et une seule était une femme : Audrey Flack, une peintre connue pour ses représentations audacieuses et saturées de coiffeuses bondées qui combinent le drame de la vanité hollandaise avec la lumière crue du flash d’un appareil photo. La liste de Meisel se concentrait sur des œuvres qui traitaient de la culture de consommation américaine – devantures de magasins bondées, restaurants chromés du milieu du siècle et voitures de la taille d’une baleine – et elles sont devenues le modèle pour d’autres expositions qui ont suivi. Lorsque le Deutsche Guggenheim de Berlin, aujourd’hui fermé, a présenté «Picturing America: Photorealism in the 1970s» en 2009, les 13 artistes nommés par Meisel étaient représentés avec des ajouts minimes.

L’exposition MOCA élargit le champ d’action. La commissaire Anna Katz a inclus certains des pionniers du mouvement : Bechtle, Estes, Flack. Mais il présentait de nombreuses œuvres de femmes et de personnes de couleur, ainsi que d’artistes qui ont élargi l’impulsion photoréaliste et l’ont appliqué à de nouveaux objectifs. Valadez, par exemple, qui est Chicano, dépeint les aspects quotidiens de la vie américano-mexicaine pour contrecarrer les stéréotypes. « L’idée était essentiellement de mettre les gens au défi de regarder une classe de personnes – hautement représentée », explique-t-il aux conservateurs du catalogue. « En dessinant à partir de la photographie, j’ai finalement développé une technique qui n’était… pas celle du dessin animé. Il n’y avait pas de stylisation. En gros, vous voyez de vraies personnes.

Plutôt que de proposer une exposition historique globale, « Ordinary People » est structurée autour de thèmes vagues qui reflètent les différents usages du photoréalisme. Une première galerie, par exemple, présente des œuvres de différentes époques inspirées de clichés personnels, notamment des peintures de réunions de famille et d’autres moments intimes. Déjà vuune peinture poignante de 1986 de la peintre de San Francisco Lenore Chinn, est un hommage à son ami Tommy Bridges, décédé des suites de complications liées au sida en 1984. Il montre Chinn élégant dans un fedora et une veste de fourrure, avec un autre ami, G. David Murphy se reflète dans un miroir de l’appartement de Bridges. Le visage de Murphy est caché derrière l’appareil photo, dont le flash illumine les particules de poussière en suspension dans l’air. Après sa mort, ils sont venus emballer les affaires de leur ami. C’est un triste regard sur la communauté queer qui se rassemble au plus fort de la crise du sida. Et bien que le rendu soit réaliste, il est également traversé de touches picturales : le flash émet des touches de couleur au lieu de lumière ; Les images de danseurs accrochées au mur sont constituées de coups de pinceau lâches.

L’exposition explore également des thèmes tels que le portrait, la politique et la protestation. Le résultat est d’une diversité fascinante. Dans une galerie, vous pouvez voir l’aimant de Barkley K. Hendricks Sir Charles, alias Willie Harris (1972) montre trois vues différentes d’un homme noir élégant avec une coiffure afro et un trench-coat rouge. Dans un autre, vous trouverez le captivant Vingt-six secondesune installation de 2024 de Cynthia Daignault qui recrée soigneusement les images de Zapruder de l’assassinat de John F. Kennedy en 1963, image par image sur 486 toiles individuelles de 8″ x 10″, permettant au spectateur d’être témoin de chaque fraction de seconde de ce moment historique. Ailleurs, dans une salle dédiée aux thèmes urbains, l’artiste millénaire Alfonso Gonzalez Jr. recrée la façade d’un prêteur sur gages new-yorkais Prêteur sur gages américain (2024), complété par des graffitis, des dépliants d’emploi et des affiches de groupes fictifs pour de vrais artistes comme Drakeo the Ruler et Chino Pacas. Là où les photoréalistes originaux réfléchissaient à la splendeur du consumérisme, Gonzalez montre son sombre point final.

Cependant, l’éclectisme conduit à quelques inclusions mystérieuses. Les peintures de murs de briques de Martin Wong suggèrent le réalisme, mais la manière dont elles s’intègrent dans une exposition de peintures inspirées de la photographie reste floue. Il en va de même pour une série de sculptures de Marilyn Levine, une artiste canadienne connue pour réaliser des céramiques en trompe-l’œil inspirées des vêtements. Mais c’est une critique mineure. Dans l’ensemble, la diversité des œuvres de « Ordinary People » raconte une histoire fascinante sur la façon dont notre existence est de plus en plus médiatisée par la caméra. Les palettes de couleurs imitent le jaunissement des vieilles photos et les tons trop saturés ou anormalement froids des images numériques, nous rappelant que l’appareil photo est rarement un observateur objectif. Dans certains cas, le photographe d’une image apparaît fantomatique sur une surface réfléchissante, rendant visible le regard de l’artiste.

Les travaux actuels montrent comment les artistes continuent d’actualiser l’approche photoréaliste. Sayre Gomez 2 fantômes (2024), par exemple, montre le coucher de soleil derrière une fresque murale représentant une figure spectrale qui semble inspirée par William Blake. La peinture de Gomez est basée sur une véritable fresque murale de Boyle Heights, mais l’arrière-plan – un centre commercial avec une imposante enseigne de magasin d’alcool – a été ajouté comme toile de fond provenant d’un autre endroit. Certains photoréalistes originaux ont également optimisé la réalité sur leurs toiles, mais un artiste travaillant dans ce style utilise aujourd’hui des photographies rendues de plus en plus malléables par des logiciels tels que Photoshop. Dans le passé, de nombreux critiques ont qualifié le photoréalisme de gauche et ont relégué le mouvement au passé de la peinture. Mais comme le démontre habilement « Ordinary People », ses thèmes ne pourraient pas être plus contemporains.